Emocionar sin palabras: el universo escénico de Marie de Jongh
DICIEMBRE 2025En el marco del evento Euskadi Sortzailea/Creativa que se ha celebrado los días 13 y 14 de noviembre en Tabakalera (Donostia), profesionales y agentes de las industrias culturales y creativas (ICCs) compartieron experiencias, metodologías y visiones sobre el presente y el futuro del sector. Entre las voces invitadas destaca la de Marie de Jongh, una de las compañías teatrales más reconocidas del panorama vasco e internacional, conocida por su singular manera de emocionar sin palabras.
Desde su creación, Marie de Jongh ha construido un universo escénico propio en el que la expresión corporal, la música y la sensibilidad visual se combinan para contar historias profundas y universales. Su trabajo ha sido galardonado con numerosos premios y ha viajado por escenarios de todo el mundo, mostrando que la innovación en las artes escénicas puede surgir también desde la honestidad emocional y la poética del gesto.
Con motivo de su participación en el evento Euskadi Sortzailea/Creativa, conversamos con Jokin Oregi, director y copropietario de la compañía, y con Pio Ortiz de Pinedo, director de producción, sobre su trayectoria, su forma de entender la innovación artística y los retos que afronta el sector cultural en un contexto en transformación
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“ Diría que una de nuestras principales características es que contamos nuestras propias historia; no hacemos adaptaciones ni recurrimos a los clásicos. Tratamos de plasmar historias creadas por nosotros mismos. Aunque usamos la palabra, lo más característico de nuestro teatro es que no utilizamos texto.Normalmente trabajamos con máscara, gestos, teatro físico o teatralidad gestual. Creo que esas son las señas más distintivas de nuestro trabajo.
Marie de Jongh se ha consolidado como una de las compañías teatrales más singulares del panorama vasco. ¿Cómo describirías la esencia de vuestro lenguaje escénico?
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¿Cómo surge el proyecto de Marie de Jongh y qué evolución ha tenido desde sus inicios hasta hoy?“ Marie de Jongh surgió cuando mi compañera Ana me propuso: "¿Vamos a hacer algo juntos?". Ella trabajaba con otra compañía, Markeliñe, y yo con Maskarada. La idea surgió porque no habíamos trabajado juntos profesionalmente. Comenzamos con nuestro primer espectáculo en un garaje, a los 38 años, ya con dos hijos. Queríamos vivir una experiencia, y presentamos nuestro primer trabajo, "Zer duzu, negarrez, Marie?", cuyo estreno fue en FETEN, donde recibió el premio principal. A partir de ahí, continuamos creando otros espectáculos y seguimos hasta hoy.
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Uno de los sellos de la compañía es la ausencia de palabras y el protagonismo de la emoción. ¿Por qué elegisteis ese camino artístico?“ Para mí fue un desafío. Ana ya trabajaba con teatro gestual y sin palabras, y yo hasta entonces había utilizado texto y diálogos. Empezar a trabajar sin palabras fue un gran descubrimiento: el teatro es artificial por naturaleza, y al quitar la palabra se vuelve todavía más artificial. Sin embargo, surge algo nuevo: un universo propio y un lenguaje distinto que llega directamente al corazón del espectador. Me interesó mucho la poesía que surge de esto; no es comunicación normal, es lírica. Incluso sin palabras, el teatro tiene poesía.
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En vuestro trabajo confluyen teatro, mimo, danza, música? ¿cómo se construye un espectáculo en vuestro proceso creativo?“ Primero intento estructurar la historia de la manera más sencilla posible. La historia debe contener algo potente y verdadero que realmente nos conmueva. Para mí es muy importante que haya una verdad, un sentimiento propio que quiero compartir con el público. Normalmente lo hacemos sin palabras, aunque en algunos espectáculos la usamos, como en nuestro próximo estreno. Buscamos ofrecer la historia de forma, simple y potente. Después añadimos plasticidad y magia a través de la improvisación, construyendo la obra capa por capa. Escribo mientras creo, inspirándome en métodos como los de Joël Pommerat, que habla del "escritor de espectáculos".
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¿Qué aprendizajes o hitos destacarías en vuestra trayectoria dentro de las artes escénicas y las ICCs en Euskadi?“ No es fácil responder uno mismo; casi sería mejor que alguien más dijera cuáles han sido nuestros hitos. Siempre hemos intentado hacer teatro de calidad para público infantil, con máxima profesionalidad y exigencia. Esto nos ha llevado a recibir premios importantes, incluido un premio nacional en España. Hemos trabajado en lugares relevantes como el Teatro Célestins en Lyon y hemos realizado giras en Francia y otros países. Para mí, un hito muy significativo ha sido ser seleccionados repetidamente en FETEN y en Teatralia en Madrid. Además, nuestro nuevo espectáculo "Kimu, la casa de todos" se estrenará en el Teatro Lliure en Barcelona, otro hito importante. Todo esto demuestra que hay confianza en nuestro trabajo y un sello de calidad.
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El BDCC busca impulsar la innovación en las industrias culturales y creativas. ¿Cómo entiende Marie de Jongh la innovación en el ámbito teatral?“ El sector escénico, muy cercano a lo artesanal, incorpora la innovación principalmente en los procesos creativos. Es más fácil trabajar en procesos que en tecnología. Cada compañía, incluida Marie de Jongh, explora nuevas formas de contar historias, por ejemplo mediante la máscara o buscando maneras novedosas de llegar al público. La innovación requiere tiempo, materiales y laboratorios de trabajo. Crear cosas diferentes no es innovar, es hacer una apuesta. Para crear algo realmente nuevo necesitamos tiempo -que reivindico desde aquí- además de paciencia, ensayo y error y recursos. En Euskadi hay talento y creatividad, pero muchas veces no se aprovecha plenamente por falta de medios.
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En un contexto donde los públicos cambian, ¿cómo trabajáis para conectar con nuevas generaciones o con espectadores internacionales?“ Trabajamos constantemente adaptándonos al público infantil, desde los tres años en adelante. Observamos sus necesidades y lo que les resulta importante. Buscamos que los niños y niñas comprendan que no están solos en sus emociones y que forman parte de una comunidad. También procuramos que los adultos encuentren atractivo el espectáculo. Siempre ofrecemos máxima calidad, porque los niños perciben si algo está hecho sin interés. Es fundamental que los espectadores se sientan importantes y parte de la experiencia.
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¿Qué retos identificáis hoy para las compañías escénicas independientes dentro del ecosistema cultural vasco y europeo?“ Hay dos retos fundamentales: la sostenibilidad de las giras y los recursos económicos. Salir de gira es esencial para conectar con nuevos públicos, pero es cada vez más difícil organizar representaciones fuera de Euskadi o del Estado. Esta sostenibilidad también debe ser ecológica no tiene sentido desplazarse 1.000 kilómetros para hacer una función aislada. Además, la apuesta política y municipal por la cultura debe ser sólida. Otro gran reto es la formación de nuevas audiencias. Es clave colaborar, profesionalizarse y aprovechar la tecnología y la innovación.
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Uno de los módulos ha tratado sobre modelos de colaboración y gobernanza. ¿Cómo entendéis vosotros la gobernanza en el ámbito creativo? ¿Qué buenas prácticas o fórmulas de colaboración destacaríais?“ El teatro es multidisciplinar escenografía, vestuario, técnicos, artistas y profesionales de distintos ámbitos. La colaboración se da en el trabajo en equipo y también con la >educación, mediante talleres o actividades que complementan la experiencia. Aún queda espacio para colaborar con sectores no directamente vinculados al teatro, como la salud o la medicina, donde las artes escénicas podrían aportar mucho.
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Otro módulo abordó la internacionalización e ICCs. ¿Qué oportunidades o dificultades veis para que las empresas creativas vascas ganen presencia internacional?“ Para internacionalizarse es fundamental conocer bien los circuitos y mercados, apoyarse en profesionales locales y construir redes de contactos estables.Nuestra experiencia incluye giras a China, Estados Unidos y otros países. El talento vasco puede tener presencia internacional si hay información, preparación y conexiones adecuadas.
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Desde vuestra experiencia, ¿qué apoyo o políticas serían clave para fortalecer el sector escénico vasco?“ Es esencial contar con espacios de trabajo para ensayar, experimentar, atraer talento y utilizar tecnología. La mayoría de las compañías no dispone de ellos, lo que limita la innovación y la profesionalización. Una apuesta sólida por la cultura garantiza la sostenibilidad de las artes escénicas.
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Por último, ¿cómo imaginas el futuro del teatro y de las artes escénicas en Euskadi en los próximos diez años?“ El teatro existirá mientras haya personas con ganas de crear y compartir. La cuestión es qué recursos le proporcionará la sociedad. Si hay apoyo, se desarrollará plenamente, enriquecerá a la sociedad y fomentará el talento creativo.
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Relación entre Marie de Jongh y el BDCC“ La colaboración ha sido puntual pero valiosa: formación, talleres de gestión, misiones comerciales y encuentros para transmitir conocimiento teatral. El BDCC proporciona herramientas desde perspectivas empresariales y artísticas.
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¿Qué sinergias surgen entre el BDCC y Marie de Jongh?“ El BDCC amplifica nuestra capacidad y alcance. Es importante apoyarnos mutuamente, participar en encuentros y aprovechar oportunidades que solos quizá no podríamos imaginar. La relación ayuda a consolidar nuestras compañías y a mejorar la calidad del trabajo.
